10 questions avec … Aya Maceda et James Carse de l’ALAO

Les fondateurs de l’ALAO, James Carse et Aya Maceda. Photographie par Kurt Arnold.

Pour James Carse et Aya Maceda, le design et le plaidoyer social sont inextricablement liés, se propulsant mutuellement de la même manière que leurs partenariats commerciaux fonctionnent. Les deux ont fondé leur studio ALAO, basé à Brooklyn et à la Nouvelle-Orléans, peu de temps après leur rencontre et ont rapidement développé une approche humaniste unique du design, invitant à un sens du jeu même dans les espaces les plus inattendus. Avec des projets allant de des résidences sur mesure aux studios de création, aux produits phares de la vente au détail et aux environnements hôteliers, ALAO veille à ce que la communauté et la culture restent au cœur de chaque décision et se procurent souvent des matériaux locaux. Également ancré dans leur philosophie est le Mot philippin maaliwalas, qui parle de la qualité du flux d’air et de la lumière et, pour Maceda, évoque des images d’elle maison d’enfance jeEt le Philippines.

Ici, le duo partage avec Design d’intérieur les racines du nom ALAO, les façons dont maaliwalas informe leur philosophie de conception et le pouvoir rajeunissant d’une longue marche.

Design d’intérieur: Pouvez-vous partager l’histoire derrière ALAO? Comment vous êtes-vous rencontrés et avez-vous décidé de former un cabinet?

James Carse: Nous nous sommes rencontrés en 2017 grâce à la présentation d’un ami. À l’époque, Aya avait une petite pratique basée sur la recherche, mais en développement, et je venais de décider de me lancer seule. Cette première conversation a duré des heures et a rassemblé des réflexions sur la pratique du design, l’éducation, la ville et peut-être surtout le rôle du design axé sur la communauté et les personnes dans le monde de l’architecture et des intérieurs. Nous avons eu une synergie immédiate – nos intérêts et nos croyances se chevauchent fortement, mais nous avons chacun abordé chaque problème sous un angle différent, une expérience différente et une histoire personnelle différente. ALAO, prononcé «allow», est né de cette synergie de différence couplée à une forte volonté de réaffirmer les personnes à la pointe du design à travers l’introduction de la joie et du jeu dans le quotidien.

Aya Maceda: Je pense que nous savions dès notre première collaboration que nous pouvions communiquer et nous défier les uns les autres avec respect. Telle est la base de notre partenariat. Nous avions des compétences polaires qui se complétaient. Je pense que travailler avec James fait de moi un meilleur designer.

ID: Comment le concept de maaliwalas faire partie de votre philosophie de conception?

JC: Maaliwalas est un terme philippin qui implique une bonne circulation de la lumière et de l’air. Un espace lumineux ou généreux. Cela peut faire référence à un espace ou il peut faire référence à la météo mais ce à quoi il vise vraiment, c’est une légèreté d’être. Afin de créer une architecture centrée sur les personnes, nous devons créer un langage à travers lequel nous pouvons décrire cette ambition. Il n’est pas dit qu’un dessin doit être techniquement fonctionnel. Ce qui nous sépare, c’est le désir de créer des espaces émotionnellement fonctionnels.

L’architecture que nous créons permet maaliwalas. Aya a déjà commenté qu’elle aime entendre les gens ouvrir la porte à l’un de nos projets et prendre une profonde inspiration. La légèreté de l’espace permet à une personne de se sentir libre.

UN M: Maaliwalas est un concept (pas un mot singulier) qui capture une légèreté et un espace que notre architecture vise à vous faire ressentir.

Ce loft de Brooklyn est conçu comme un agencement de coins. Photographie de Kurt Arnold.

ID: Pourriez-vous décrire votre approche du design humaniste et comment votre travail illustre cela?

JC: Notre approche est avant tout de nous débarrasser de toute idée préconçue de ce que devrait être un projet et de faire connaissance avec notre client et la communauté que le projet servira. Le processus de redécouverte se déroule à toutes les échelles, de l’échelle d’une seule pièce à l’échelle d’une nouvelle ville entière. Nous cherchons à comprendre comment la vie est vraiment vécue, comment les gens aspirent à vivre, puis à créer des couches d’éléments de conception phénoménologiques et tactiles pour créer un design vraiment sur mesure pour chaque projet.

Notre Sharon Carriage House, récemment publiée, réinvente le hangar comme un lieu pour célébrer le quotidien tout en offrant de nouvelles opportunités pour une vie de famille plus connectée grâce à l’organisation soignée de l’espace, à l’élaboration méticuleuse des détails et à l’intégration de matériaux régionaux à la fois chaleureux et révélateurs. du contexte local. Le projet est autant un outil de divertissement qu’un bâtiment: c’est un lieu de rencontre avec des invités, pour les jouets des grands enfants et des petits enfants, pour le jeu, pour la famille. C’est, comme l’appelle notre client: «the fun house».

ID: L’hôtel Siama est assez unique. Comment ce projet reflète-t-il le design traditionnel philippin?

AM: Le Siama Hotel est le fruit d’une collaboration avec le célèbre designer de meubles philippin Milo Naval. Je pense que notre pratique de l’architecture et sa philosophie en matière de mobilier design étaient alignées d’une manière que nous regardions la proportion et la légèreté. L’Hôtel Siama est une démonstration du mot maaliwalas. Il y a un flux d’espace généreux. Vous n’êtes jamais enfermé dans une «pièce», au contraire, lorsque vous êtes dans une pièce, vous voyez d’où vous venez et vous voyez des couches d’autres espaces devant vous. Flux intérieur avec extérieur. Matériaux à la fois intérieurs et extérieurs comme des écrans, des portes coulissantes tissées, des voiles, des meubles en rotin tressé respirent.

Une remise dans le Connecticut se sent expansive en raison de son plan ouvert, de son plafond cathédrale et de ses portes pliantes qui s’empilent pour permettre à l’espace intérieur de s’étendre complètement jusqu’au balcon. Photographie de Nicholas Calcott.

ID: De quelle manière abordez-vous la sélection des matériaux? Il semble que vous intégrez beaucoup de matériaux naturels dans votre travail.

JC: Nous croyons en l’honnêteté des matériaux. Malgré la prédominance des médiums numériques visuels dans le monde du design, l’expérience physique de l’espace et des matériaux est multisensorielle. Vous pouvez voir, sentir, toucher et même entendre chaque matière. Nous croyons que les matériaux sont imprégnés d’attentes, d’émotions et de souvenirs. À cette fin, nous cherchons à utiliser des matériaux de manière à exprimer leur vraie nature et à éviter les produits qui sont des fac-similés d’un autre matériau.

ID: Le plaidoyer social est le pilier de votre pratique; pouvez-vous partager un peu votre travail dans ce domaine et votre point de vue sur l’impact de l’architecture au sein des communautés?

JC: Nous plaidons pour un certain nombre de communautés à la fois dans notre vie personnelle et dans notre pratique. Ceux-ci incluent les communautés de couleur, les artistes, les enfants, l’éducation et les problèmes liés à la santé mentale et au bien-être. Notre cabinet offre des services pro bono et à faible bono aux organismes sans but lucratif qui ont besoin d’un défenseur du design dans les domaines où nous pensons pouvoir contribuer. Dans le même temps, notre plaidoyer ne s’arrête pas au niveau du client. Nous reconnaissons que chaque acte d’architecture a un impact sur une communauté au moment où il touche ou devient visible depuis une rue ou un espace public. Chaque acte d’architecture est une opportunité pour nous d’apporter quelque chose de sincère et de joyeux dans la communauté dans son ensemble.

L’hôtel Siama à Sorsogon, aux Philippines, reflète une hiérarchie de base de dalles, colonnes, poutres, toits et écrans et incorpore des matériaux locaux, tels que des bois de noix de coco, de la pierre locale, des toitures en gazon (nipa) et du béton. Photographie de Tabitha Fernan.

ID: En tant qu’enseignants, que conseillez-vous aux designers en début de carrière?

JC: Comprenez ce qui vous intéresse dans le métier de designer. Pour nous, c’est le désir d’apporter de la joie aux autres. Adaptez vos objectifs, votre travail et votre méthodologie à vos résultats. Si vous possédez un cabinet, reconnaissez que le résultat du travail est le résultat direct de la culture que vous entretenez et créez.

AM: L’industrie du design n’est pas encore aussi diversifiée que je l’espère. Donc, si vous ne vous voyez pas parmi les «grands joueurs» actuels, cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas de place pour vous là-bas. J’ai certainement eu cette expérience. Imaginez-vous et créez un espace pour vous-même. Le monde change et il y a des alliés qui peuvent vous soutenir tout au long de votre parcours.

ID: Sur quoi travaillez-vous ensuite?

JC: Nous travaillons avec une coopérative d’artistes à New York pour repenser les intérieurs de leurs unités pour soutenir les 50 prochaines années ainsi que des espaces de studio pour soutenir les artistes en résidence invités. Nous travaillons avec un groupe de développement de la Nouvelle-Orléans pour élaborer un plan qui va au-delà du logement abordable pour créer des logements générateurs de richesse pour les résidents subventionnés. Nous sommes en pourparlers avec un groupe au sujet d’un programme d’arts et d’athlétisme pour les enfants et nous travaillons sur un certain nombre de nouvelles résidences et des rénovations intérieures résidentielles.

AM: Nous avons établi un partenariat avec une fondation locale aux Philippines pour créer un espace de cuisine communautaire.

En mettant en œuvre l’idée d’espaces privés et publics dans une maison philippine, les espaces de vie de l’hôtel sont ouverts et orientés vers le jardin tandis que les chambres sont fermées. Photographie par Tabitha Fernan.

ID: Avec le recul, quels sont vos premiers souvenirs de design qui vous ont conduit à votre carrière actuelle?

JC: En tant que jeune enfant, j’ai eu la chance de pouvoir voyager. J’ai vu que partout où j’allais, les formes, les espaces et les limites de la maison changeaient. La maison peut changer d’orientation pour capter le soleil, se lever pour rester au sec, être maigre pour respirer ou être compacte pour rester au chaud. Je me souviens avoir été fasciné par la manière unique et différente dont chaque famille parlait de sa maison et en remodelait en quelque sorte les limites de cette maison – certaines avaient un «jardin» tandis que d’autres avaient juste «à l’extérieur». En tant qu’enfant visitant la maison d’un ami de la famille pour la première fois, je recherchais la concentration d’efforts souvent pas si subtile qui me permettrait de savoir quel genre de personne ou de famille j’allais rencontrer. La proéminence du tourne-disque et d’une guitare, le groupe dense de photos de famille sur des étagères surchargées, les huit chaises de salle à manger entourant une grande table donnant sur un patio. Tout cela, je le voyais comme une sorte de jeu. Un jeu d’interaction entre les personnes, la nature, les meubles et les bâtiments dont le résultat était l’expérience de ces instants fugaces que je passerais dans ce nouvel endroit.

AM: J’ai été fortement influencé par la maison de mon enfance. J’ai vécu dans une maison avec cour, aux lignes modernes aux Philippines. Cela ne ressemblait à aucune autre maison de notre région. Il y avait de la lumière remplie de pièces enveloppant la cour et d’un jardin enveloppant les pièces. Il y avait un jeu d’espaces à double hauteur et un salon en contrebas. Il n’y avait pas de fenêtres, seulement des portes coulissantes qui n’étaient jamais fermées, même lorsqu’il pleuvait beaucoup dehors. Il a plu dans notre maison. Notre cour était bordée de couches de treillis et donc, quand il coulait à l’extérieur, il y avait une fine bruine à l’intérieur. La maison était remplie de plantes du jardin à l’intérieur. Les murs étaient en pierre et boiseries avec des encadrements de porte affleurants, et se révèlent à chaque transition matérielle. Il y avait des meubles construits que nous utilisions comme espace de jeu. Ma mère, une universitaire de la culture philippine qui a beaucoup voyagé, a collaboré avec un architecte local pour concevoir cette maison. C’était mon premier et mon plus grand souvenir du design.

IDENTIFIANT: Où se tournent-ils le plus souvent pour trouver l’inspiration?

JC: Je pense que nous avons la chance d’avoir des clients inspirants et de laisser leurs histoires et leurs aspirations guider notre travail. Au jour le jour, cependant, j’essaie généralement de me déplacer dans la ville – une longue marche ou une balade à vélo pour commencer à revoir le monde à travers l’objectif de la question qui m’occupe. C’est incroyable ce que vous pouvez trouver – la nature communautaire de la marche avant, la façon dont une fenêtre encadre la vie à l’intérieur, une combinaison de couleurs inattendue du t-shirt d’un jeune homme contre le plâtre du bâtiment du centre-ville en attendant le bus .

AM: Des souvenirs de navigation dans des bâtiments qui ont marqué ma psyché… y compris celle de la maison de mon enfance.

La maison de transport du Connecticut comprend un stockage de véhicules et d’équipements de sport méticuleusement conçu avec un espace pour les VUS, les voitures anciennes, les UTV, les motoneiges, les vélos et une ménagerie d’équipement de sport. Photographie de Nicholas Calcott.